L’art du dessin et ses fondamentaux | Guide artiste débutant

Dessinez et explorez

Pour mes fidèles abonnés sur Instagram, il ne vous a pas échappé de remarquer, au fil de mes publications, les dessins, des illustrations, des crobars qui s’animent dans mes stories. Mes modestes croquis parcourent vos écrans avec régularité.

Enthousiaste de l’art du dessin, je m’adonne à cette passion incessante, car le dessin a été mon premier langage, avant même que je ne maîtrise l’art de la parole et de l’écriture.

Aujourd’hui, j’avais envie de partager ma technique chouchou de l’atelier, celle qui décomplexe et redonne motivation : le dessin

 

A propos du dessin 

Le dessin artistique est une pratique impliquant l’utilisation de différentes techniques, médiums et styles pour créer des œuvres visuelles en utilisant principalement des lignes, des formes, des valeurs tonales et des textures. Il est souvent utilisé comme une étape préliminaire dans le processus créatif, permettant aux artistes d’explorer des idées, de planifier des compositions et de développer leurs compétences techniques.

Les artistes ont utilisé le dessin de différentes manières tout au long de l’histoire de l’art.

Dans les premières civilisations, le dessin représentait des scènes de la vie quotidienne, des rituels religieux, des animaux ou des paysages. Les dessins rupestres des grottes préhistoriques en sont un exemple fascinant.

Au fil du temps, le dessin est devenu une discipline artistique à part entière, enseignée et étudiée dans les écoles d’art et les universités. Au sein des mouvements artistiques tels que la Renaissance, le Baroque, le Rococo et le Romantisme, le dessin était considéré comme une compétence essentielle pour les artistes et servait souvent de base pour la création de peintures, de sculptures et d’autres formes d’art.

 

 

Le dessin a évolué en tant qu’art autonome grâce à de nombreux artistes. Ces derniers ont pu explorer le potentiel expressif du dessin et sa capacité à transmettre des émotions, des idées abstraites et des concepts philosophiques. Des artistes tels que Leonardo da Vinci, Michel-Ange, Rembrandt, Edgar Degas et Pablo Picasso ont repoussé les limites du dessin traditionnel, expérimentant de nouvelles techniques, des compositions innovantes et des styles personnels uniques.

Aujourd’hui, le dessin continue d’être une forme d’expression prisée par de nombreux artistes contemporains. Il est utilisé dans une variété de styles, allant du réalisme méticuleux à l’abstraction complète, en passant par des approches expérimentales et conceptuelles. Les artistes découvrent cette technique à partir de différents de médiums : le crayon, le fusain, l’encre, le pastel, la gouache et bien d’autres, afin de créer des dessins riches en textures, en couleurs et en émotions.

Le dessin artistique reste une pratique fondamentale dans l’histoire de l’art, offrant ainsi aux artistes un moyen de capturer leur vision du monde, d’explorer leur créativité et de communiquer avec le public. Le dessin témoigne de l’évolution des techniques, des styles et des idées à travers les siècles, et surtout il continue de fasciner par sa capacité à révéler la vision unique de chaque artiste.

 

Glossaire | Le dessin dans tous ses états

Communication, compréhension et acquisition de connaissances, voici quelques définitions à garder à l’esprit :

 

Dessin sur le vif ou dessin d’observation : consiste à réaliser des dessins rapides et spontanés en capturant des sujets ou des moments de la vie quotidienne en temps réel. Les dessins pris sur le vif représentent généralement des personnes ou des animaux observés sans l’aide de références photographiques. Cette technique met l’accent sur la capture de l’instantanéité, des proportions, des mouvements et des détails pour exprimer des émotions, pour raconter des histoires ou pour explorer des faits de société.

 

Schéma : représentation simplifiée d’un objet, d’un processus ou d’une idée. Le schéma vise à communiquer des informations de manière claire et concise en utilisant des formes géométriques, des symboles ou des lignes.

 

Épure : représentation dépouillée généralement réalisée avec des lignes précises, sans détails superflus.

 

Ebauche : représentation préliminaire, réalisée rapidement et de manière approximative, avec des traits légers et peu détaillés. Une ébauche est utilisée pour capturer les contours généraux, les formes de base et les proportions de ce qui sera développé ultérieurement. Elle peut servir d’étape initiale pour la réalisation d’un dessin final, mais elle est souvent considérée comme moins précise et moins aboutie. Aperçu du processus de réflexion de l’artiste, l’ébauche révèle ainsi les aspects intimes de la pratique artistique.

 

Esquisse : représentation rapide comportant des traits affirmés, précis et une gestuelle ample, l’esquisse explore les valeurs tonales, les textures ou les détails spécifiques d’un sujet, elle peut servir de base pour le développement ultérieur d’une œuvre finale. Les termes “ébauche” et “esquisse” sont souvent utilisés de manière interchangeable, même si toutefois ces mots ont des nuances de sens légèrement différentes selon le contexte.

 

Etude préparatoire : dessin réalisé pour explorer des idées, des compositions ou des proportions. L’étude préparatoire est plus détaillée qu’une ébauche ou un croquis, mais moins élaboré qu’une réalisation finale.

 

Dessin sur le motif : capture les nuances subtiles de la lumière, les couleurs et les détails spécifiques d’un paysage réel. Cette pratique encourage l’observation attentive et le développement de compétences artistiques telles que la perception des formes, des valeurs tonales et des proportions.

 

Dessin final : dessin élaboré avec soin et précision, en incluant de nombreux détails et finitions. Le dessin final est souvent utilisé comme base lors d’illustrations, de portraits ou de dessins académiques.

 

 

 

Croquis : dessin rapide et spontané qui capture rapidement les contours et les formes d’un sujet. Il peut être réaliser sur le vif ou de mémoire.

 

Dessin académique : met l’accent sur la précision, la maîtrise des proportions, la composition et la représentation fidèle de la réalité. Il nécessite une connaissance approfondie de l’anatomie et une capacité à représenter avec précision la structure et des proportions d’un sujet.

 

Dessin technique : représentation précise et détaillée d’un objet ou d’une structure, généralement réalisée à des fins d’ingénierie ou de conception. Le dessin technique utilise des normes, des symboles et des notations spécifiques pour communiquer des informations telles que les dimensions, les formes et les caractéristiques.

 

Dessin figuratif : forme d’expression artistique qui vise à représenter des objets, des personnes, des paysages ou tout autre sujet reconnaissable de manière fidèle et réaliste. Dans le dessin figuratif, les artistes s’efforcent de reproduire avec précision les formes, les proportions, les détails et les valeurs tonales du sujet choisi. Ils utilisent des techniques telles que le trait, l’ombrage, le modelage et l’utilisation de divers outils de dessin pour créer une représentation visuelle facilement identifiable par le spectateur.

 

Dessin abstrait : forme d’expression artistique qui se caractérise par l’utilisation de formes, de lignes, de couleurs et de motifs déconnectés de toute représentation figurative reconnaissable. Dans le dessin abstrait, les artistes utilisent souvent des formes géométriques, des lignes sinueuses, des textures, des valeurs tonales et des couleurs expressives pour exprimer des idées, des émotions ou des concepts.

Le dessin abstrait offre une liberté créative totale, permettant aux artistes de s’affranchir des contraintes de la représentation fidèle de la réalité. Il encourage l’expérimentation, l’intuition et l’interprétation personnelle.

Chaque spectateur peut ainsi interpréter le dessin abstrait de manière unique, en fonction de son propre bagage visuel et émotionnel.

Le dessin abstrait a émergé comme un mouvement artistique important au début du XXe siècle, avec des artistes tels que Wassily Kandinsky, Piet Mondrian et Kazimir Malevitch qui ont joué un rôle clé dans son développement. Depuis lors, le dessin abstrait a continué d’évoluer et de se diversifier, offrant une multitude de styles, d’approches et de techniques.

 

 

Vas-y fais-moi un petit crobar !

Pour terminer sur les définitions, voici quelques mots d’argot utilisés dans le langage informel des artistes, des étudiants d’art ou des dessinateurs pour désigner un dessin.

Bien évidemment ces mots peuvent varier en fonction de la région ou de la communauté artistique.

• Griffoir : mot argotique désignant un croquis ou un dessin réalisé rapidement et de manière informelle. Il met l’accent sur le côté griffonné ou improvisé du dessin.
• Gribouillis : dessin informel, généralement réalisé rapidement et sans grande précision. Il est souvent associé à des traits désordonnés ou maladroits.
• Crobar : contraction familière de “croquis”. Le crobar est souvent utilisé pour désigner un dessin mal fait vite esquissé.
• Patouille : dessin ou une peinture avec des traits ou des touches de couleur appliqués de manière désordonnée ou expressive. La patouille est souvent associée à une technique artistique libre et non conventionnelle.

 

Vous connaissez d’autres mots rigolos ou des expressions en argot pour parler du dessin et de ses dérivés ?

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Pratiquer le dessin

Lorsqu’on s’engage dans l’acte de dessiner, il existe certains réflexes à connaitre pour grandement améliorer sa pratique artistique. Que vous soyez un artiste débutant ou expérimenté, le dessin se travaille !

 

• Observez attentivement

Portez une attention particulière aux formes, aux proportions, aux ombres et aux détails du sujet tout en essayant  de saisir l’essence, les formes générales et aux mouvements plutôt que de s’attarder aux détails minutieux.

 

• Travailler sa mémoire visuelle 

Pour améliorer vos compétences en croquis, notamment lorsqu’il s’agit de dessiner des modèles vivants, il est important de développer votre mémoire visuelle. Il est donc nécessaire de garder votre crayon sur la feuille et d’analyser rapidement votre sujet, en particulier s’il est en mouvement. Votre mémoire doit devenir photographique, en vous rappelant les détails du haut du corps, l’expression du visage, etc. Votre vision périphérique joue un rôle essentiel dans la mémorisation rapide de l’ensemble de la composition.

 

• Créez avec rapidité sur le vif

Dans la conception de croquis, il est important de se décomplexer et de se rappeler que l’objectif principal est de transmettre des informations plutôt que de créer une œuvre aboutie. Le croquis est un exercice rapide et spontané où la beauté et la perfection technique ne sont pas essentielles. L’art du croquis repose sur la spontanéité. Entraînez-vous à dessiner rapidement pour capturer l’instant présent.

Les erreurs et les imperfections peuvent même enrichir le dessin en évoquant le mouvement. Il est préférable de ne pas trop réfléchir et de laisser libre cours à votre geste pour progresser rapidement. La valeur de votre ébauche réside dans la spontanéité de votre trait.

 

• Affirmez son style 

L’entrainement répété est la clé pour exprimer votre esthétique artistique personnelle. En réalisant de nombreux croquis, vous vous autorisez à explorer de nouvelles créativités et techniques pour affiner efficacement votre regard. Cette exploration vous permettra de développer peu à peu votre style.

N’hésitez pas à essayer différentes techniques, formats, outils et échelles. Cette mise en danger vous rendra plus flexible dans votre création et vous permettra d’être à l’aise dans vos dessins.

Rappelez-vous que la pratique régulière du croquis favorise la progression artistique globale et libère la créativité.

 

Plus de dessins et d’illustrations sur mon compte Instagram d’artiste @amyleeparis

 

 

Du côté de chez vous

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DISCLAIMER : Je fais partie des artistes référents utilisant le matériel distribué par Le Géant Des Beaux-Arts – France. Vous venez de lire mon article issu de cette collaboration. J’apprécie les marques citées dans l’article ci-dessus. Je partage ainsi aux artistes et aux personnes créatives, mes résultats obtenus. Je précise que je suis LIBRE sur la thématique et le choix des produits mis en avant.